Orsomarso (CS)

Molte scene della serie televisiva si stanno girando in queste settimana in alcune località della nostra regione, sostenuta dalla Fondazione Calabria Film Commission.

Trust è una fiction ambientata nel 1973 che racconta la storia di John Paul Getty III, erede di un grande impero petrolifero, rapito a Roma dalla ‘ndrangheta, convinta che la sua famiglia avrebbe pagato un sostanzioso riscatto per il suo rilascio.

Ma, come ricorda la storia del fatto criminale, i rapitori scopriranno che i Getty sono un clan decisamente complicato, invischiato in fatti di droga, fallimenti e tradimenti.

L’amministrazione comunale di Orsomarso, con a capo il sindaco Antonio De Caprio, ha dato la massima collaborazione per la realizzazione delle riprese, che sono diventate così uno degli eventi più importanti dell’anno.

“Continua la nostra opera di promozione per rilanciare a livello planetario l’immagine e l’incanto che offre agli occhi di chi lo visita il nostro splendido borgo - dichiara in una nota il sindaco -. Tante le comparse locali impegnate e i luoghi pubblici e privati messi a disposizione del regista, risorse che rappresentano un elemento di orgoglio e opportunità, di lavoro ma soprattutto di promozione, per valorizzare le bellezze del nostro territorio in una serie televisiva di produzione e diffusione internazionale”.

La serie tv, sarà trasmessa probabilmente nei primi mesi del prossimo anno su Fox, viene girata tra Londra, Roma, Orsomarso, Civita e Camigliatello Silano.

Stellare il suo cast, che va da Hilary Swank e Brendan Fraser fino al grande Donald Sutherland, attore canadese che interpreterà J. Paul Getty, imprenditore, mecenate e fondatore della omonima Oil Company.

L'articolo Cinema. A Orsomarso iniziano le riprese della nuova serie tv americana Trust. La fiction racconta la storia di Paul Getty rapito dalla drangheta negli anni 70. sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

I due, coadiuvati da uno stuolo di amici prestati alla recitazione (Domenico Manferoce, Vincenzo Papalia e Walter Amato di Cinquefrondi; Antony Mandaglio di Taurianova e Francesco Paolo di Polistena) oltre che dai fotografi Tiziana Surace e Giuseppe Cremona (alle riprese) e dal musicista e tecnico del suono Francesco Speziale (al Mixaggio Audio), hanno provato a raccontare il nostro territorio attraverso delle immagini di eccezionale potenza evocativa, traducendo nel linguaggio della fantascienza il tema di un concorso internazionale dal titolo assai eloquente: “On the Rocks”.

Il contest, che ha appena superato la prima fase selezionando i sei finalisti per ognuna delle tre sezioni del concorso (i nostri sono arrivati in finale nella sezione “Rolling Stones”, la più “rock” delle tre), organizzato dalla Società Geologica Italiana in collaborazione con la rivista di divulgazione scientifica Focus, richiedeva ai partecipanti di declinare la propria passione per la scienza attraverso un video di circa tre minuti.

Michele Ieraci, dottore in geologia applicata all’ingegneria, al territorio e ai rischi, ha così deciso di unire la sua passione per Star Wars, la saga spaziale di George Lucas, a quella per la geologia, scienza tra le più nobili che da anni è orgoglioso di servire. Il tutto ambientato in un contesto onirico che vede come unica protagonista la varietà di paesaggi e scenari che solo la Calabria può vantare: una selezione di siti di interesse paleontologico, naturalistico e – questa è la tesi dei due autori – cinematografico.

Come spiega Michele Ieraci nella descrizione del film “The Clypeaster Chronicles” infatti: “George Lucas ha girato l’intero pianeta per trovare i set ideali a girare il suo capolavoro. Eppure gli bastava venire in Calabria e a pochi chilometri gli uni dagli altri avrebbe trovato Tatooine, Endor e gli altri pianeti della saga”. Ma perché questo nome dal tono così misterioso? Il Clypeaster è un fossile che caratterizza la cava di Cessaniti, protagonista delle scene introduttive e conclusive del cortometraggio: un antenato dell’attuale stella marina. Il viaggio onirico del geologo protagonista del film (interpretato dallo stesso Ieraci) comincia proprio quando dalla cava di arenaria disseppellisce uno di questi splendidi esemplari che, nella finzione cinematografica come nell’immaginazione dello scienziato, lo catapulta nel fantastico mondo di Star Wars, insieme a Chewbacca, Boba Fett e altri personaggi che non sveleremo per non rovinare la visione a chi ancora non ha visto il cortometraggio. Tra i paesaggi mostrati, nel finale, è presente anche il castello medievale di San Giorgio Morgeto.

Insomma, il video è appena stato selezionato per la finale, ma la competizione continua. Noi possiamo sostenerlo cliccando QUI. In bocca al lupo, sognatori!

A seguire il film, pubblicato sul canale YouTube del progetto “ON THE ROCKS”, ricordiamo che per votare c’è bisogno di un account YouTube e di cliccare sul tasto “mi piace”.

L'articolo La Calabria conquista il mondo (e lo spazio!) grazie al filmato realizzato da due ragazzi cinquefrondesi. VIDEO sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Un’ampia anteprima proiettata ieri sera all’interno di Palazzo Calcaterra, un teaser trailer composto da 12 minuti di scene di quello che, nelle parole dei due registi, punta a diventare “un lungometraggio, il racconto di un territorio – la Piana di Gioia Tauro – attraverso frammenti di quotidianità e istantanee di bellezza paesaggistica”. Un film dai mille protagonisti, incontrati e registrati nelle loro giornate tipo: voci soliste e cori di un unico concerto di bellezza che da Cinquefrondi a Sant’Elia, da Polistena alla Limina restituiscono allo spettatore la familiarità di una terra troppo poco valorizzata eppure così ricca di meraviglia.

Il progetto #PIANA è stato accolto positivamente dai visitatori delle Corti Polistenesi, che ne hanno apprezzato la freschezza del racconto, la fotografia gentile e il montaggio creativo arricchito dalla splendida malinconia delle poesie e delle musiche di Raffaele Zurzolo. Poeta, scrittore e musicista polistenese celebre per le sue liriche oltre che per la mirabile impresa di aver tradotto in vernacolo calabrese la Divina Commedia dantesca, il professore Zurzolo è stato il primo sostenitore dell’iniziativa #PIANA, per la quale ha messo a disposizione alcuni bellissimi sonetti e composto ed eseguito personalmente gran parte della colonna sonora.

Forti anche gli applausi in sala, soprattutto quando, tra la folla, è comparso uno degli “attori” del film, la signora Rosa Varamo, storica venditrice nei mercati pianigiani, il cui volto allegro e dolcissimo è stato scelto dai registi di Iride per la locandina dell’evento.

Un progetto ambizioso, dunque, quello di raccontare un territorio in maniera silenziosa, non interattiva, ma iniziato e portato avanti con l’amore sincero di un gruppo di artisti verso la propria terra, una gioia e una forza di volontà che hanno trovato subito eco nella popolazione, attrice essa stessa prima che spettatrice.

I registi in forza a Iride promettono di portare avanti il proprio viaggio delicato nella Piana, alla ricerca – e alla scoperta – dei mille tesori a cielo aperto di questo territorio.

A seguire, un abstract dalla presentazione dell’anteprima.

“Come si racconta un territorio? Ce lo siamo chiesti a lungo. Forse con una poesia? Scrivendo una canzone? Girando un film! Ma ogni opera, anche la più eccezionale, quanto può contenere dell’oggetto descritto? Sarà sempre una sintesi, un dettaglio, un omaggio. Perché l’autore è un passante che punta un dito verso la luna e se ne avete voglia andrete a prendervela.

Potevamo raccontarvi una storia, scegliendola tra le tante, seguendo un eroe nel suo attraversamento esistenziale, ma non avremmo fatto un buon servizio. Abbiamo preferito, invece, far danzare sullo schermo mille schegge sparse, piccoli momenti rubati alla vostra stessa quotidianità.
Un tramonto, uno scambio di intenti, un sonetto in vernacolo calabrese e un carbonaio.
E, se dopo il primo giro di giostra, avrete voglia di farne un altro e un altro ancora, noterete l’omissione della parola “fine” nei titoli di coda. Poiché il racconto di un territorio non può che sopravvivere al narratore, continuando, come si dice in linguaggio musicale, ad libitum.
Ciò che stiamo preparando, perciò, è solo l’inizio, il prologo essenziale di un progetto che potrebbe prenderci la mano e accompagnarci (e accompagnarvi) per lungo tempo.
Come si dice, infatti, in ogni viaggio non contano la meta né l’arrivo, quanto piuttosto il viaggio stesso.
Allora accomodatevi – è l’invito – e vediamo che succede”.
– Salvatore Tigani e Giuseppe Tigani

L'articolo “#PIANA – Il Territorio si racconta”. Presentato ieri sera durante le Corti Aperte di Polistena il progetto video di Salvatore Tigani e Giuseppe Tigani VIDEO sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Una storia che si riferisce ad un evento specifico, ma che nello stesso tempo si ripercuote sulle recenti tragedie accadute nel Mediterraneo. “Questa storia la volevo già raccontare nel 2011/12 – ha dichiarato il regista -, una storia che in parte ha delle connessioni con la mia storia personale: mia madre è afro-americana, mentre mio padre è italiano. Mi ha sempre interessato la convivenza tra razze diverse e soprattutto il rapporto tra persone di colore e la realtà italiana. Quando ho saputo dei fatti di Rosarno sono subito partito per la Calabria. Volevo approfondire i motivi della rivolta. Ho iniziato a parlare con le persone del luogo e a raccogliere storie sulle loro vite. Qui ho anche trovato la maggior parte degli attori che recitano nel film”. Poi il regista si sofferma sui motivi delle recenti migrazioni: “Queste persone fuggono dai propri Paesi perché’ non hanno scelta. Si trovano di fronte a un bivio: la vita o la morte”.

L'articolo Cultura. Il film “Mediterranea”di Carpignano sulla rivolta di Rosarno applaudito a Cannes sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

La prima è il magistrato che crede nella giustizia, risoluta ma forse poco empatica quando si tratta di capire che, come scriveva Gramsci, ognuno è il risultato del contesto in cui è vissuto. Assunta è la vedova di un “soldato” di ‘ndrangheta, che oltre ai legami famigliari – intesi non solo come affetti – non conosce praticamente nulla: in Calabria ci è nata e ci è rimasta intrappolata assieme alle credenze da “donna del boss”, secondo cui la vendetta è un diritto e non avere paura del sangue un dovere. Sposa il cognato come è successo a Caterina, la sorella, moglie del latitante Alfredo Raso che guerreggia con la cosca dei Macrì. Vittoria – scopo che la accomuna con i propositi divulgativi del regista – vuole scardinare una rete che vede nelle donne ha una delle sue emanazioni: l’arma è la patria potestà: solo così, secondo lei, privando di questa e dunque dei figli le madri “indegne”, si possono infliggere colpi pesanti a una struttura criminale che spesso ha nei più giovani i suoi bracci armati. «Che femmina sei, che porti via i figli alle mamme?», dice Assunta. «E tu che madre sei, che li mandi a morire ammazzati?», risponde Vittoria.

Nelle loro parole non esistono dicotomie di sorta tra buoni e cattivi o tra meridionali e settentrionali (Vittoria lavora a Lamezia Terme ma è del Nord), ma tra carnefici che giocoforza sono contemporaneamente anche vittime. «Non abbiamo cercato di raccontare i crimini che la ‘ndrangheta compie – ha spiegato Muraca – perché lo fanno già ampiamente i telegiornali e le fiction televisive, ma di chiederci perché è così forte. Non è solo un’organizzazione che gestisce traffici illeciti, ma muta la natura delle stesse persone che vi appartengono, comprese le donne che, giurando fedeltà alla cosiddetta famiglia, perdono del tutto il libero arbitrio. Diventano soldati di una forza oscura e settaria che opprime e distrugge speranza e gioia di vivere in intere comunità, e che non fa che produrre orrori. In questi sei anni, che sono stati il tempo necessario per scrivere e trovare le risorse – 500mila euro – con cui abbiamo girato questo film, le donne hanno però iniziato a ribellarsi per salvare i loro figli». E sono arrivate Lea Garofalo, Giuseppina Pesce e Maria Concetta Cacciola. L’esercito delle “soldatesse della ‘ndrangheta”, proprio quello di cui parla Muraca, è però tuttora da stanare.

L'articolo “Soldatesse” di ndrangheta. Il film del regista calabrese Fernando Muraca sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

L'articolo Polistena. “Libero cinema in Libera Terra”. Giovedì 24 la tappa calabrese del Festival itinerante contro le mafie sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Il documentario, della durata di trentacinque minuti, autoprodotto ma sostenuto anche con un contributo della Provincia di Reggio Calabria, ha visto impegnati, in circa 3 anni di riprese a saltelli, fatte ad Anoia, Cinquefrondi, Locri, Reggio Calabria e Venezia, ben 10 attori. La trama può essere definita come un metafilm in cui ad una parte introduttiva recitata, girata presso la Casa di Cura “Villa Elisa” di Cinquefrondi, si interseca la vita reale di Michele e Maria, costretti a fare quotidianamente i conti con questa patologia complessa, che li obbliga a portare il corpo perennemente fasciato da bende e a subire diversi interventi chirurgici per l’improvvisa insorgenza di carcinomi. Il tutto notevolmente complicato da una mancanza di farmaci, che vengono forniti a singhiozzo alla famiglia, a causa di carenti risorse nelle casse dell’Asp di Reggio Calabria.

Per far conoscere la storia di Michele e Maria quindi, Migliaccio Spina e Milano hanno deciso di girare il documentario capace di trasmettere la sofferenza fisica e psicologica dei ragazzi. «Abbiamo deciso di chiamare il lavoro “Uva fragola” – hanno dichiarato regista e produttore – perché è un innesto e come tutti gli innesti è fragilissimo. Volevamo parlare dell’incomunicabilità e abbiamo pensato che non c’è modo migliore di affrontare la questione che quello di raccontare di chi è costretto a vivere senza rapporti fisici. Parte importante del documentario è un viaggio a Venezia, la città del sogno, dove Michele ha potuto avverare il suo desiderio di varcare i confini calabresi, allontanarsi da casa per qualche giorno, e conoscere e confrontarsi un’altra coetanea affetta dalla stessa patologia, seppur in maniera più lieve». Soddisfatti della riuscita del documentario anche i due ragazzi di Anoia, Michele e Maria, che vestendo i panni di due attori professionisti si sono messi in gioco raccontando la loro vita e le loro difficoltà quotidiane, prima tra tutte appunto, quella di riuscire ad ottenere la quantità di farmaci e bende necessarie per le cure di entrambi. Il video è candidato “Viaemilia@docfest 2013”, un festival del documentario e può essere votato on line.

Clicca qui per vedere il documentario

L'articolo “Uva Fragola” in un documentario autoprodotto la storia di due ragazzi di Anoia affetti da una rarissima patologia sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

L'articolo Cinquefrondi, due venerdì di cinema per bambini sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Ma si concentra soprattutto sul rapporto profondo che esisteva tra Hitchcok e la devota moglie Alma, collaboratrice all’ombra del grande marito troppe volte messa da parte, ma indispensabile quando un film necessitava di qualche modifica e prima consigliera sulle qualità delle opere hitchcockiane. Ed in parte è un peccato: lo spettatore più cinefilo avrebbe preferito sapere molto di più sulla realizzazione di Psyco e molte scene sono dedicate alla gestazione e riprese del film, ma riguarda situazioni già note agli addetti ai lavori e abbandona la curiosità per alcuni aspetti famosi (prima fra tutti, la realizzazione della proverbiale scena della doccia). Per il resto Gervasi, ottimo regista di documentari, punta ad informare lo spettatore sulla vita privata del grande Hitch, interpretato fin troppo bene da Anthony Hopkins, per la prima volta mostrato come un uomo qualunque (fino ad un certo punto) in preda alle proprie nevrosi ed alla propria genialità di cineasta. Un procedimento decostruttivo che parte mostrando l’Hitchcock più conosciuto dal vasto pubblico, quell’attempato gentiluomo dall’accento britannico che, sorseggiando il thè, descrive impassibile le situazioni più atroci e violente, citando in apertura la celeberrima sigla della serie Alfred Hitchcock presenta (la Marcia funebre per una marionetta di Gounod) e presentandoci il grande regista che racconta la propria vita al pubblico in sala.

Prosegue mostrando un Hitchcok  privato che nessuno aveva mai visto, personaggio già solamente per l’incredibile stazza e i modi, ma via via sempre più vicino alle altre persone (gli uomini comuni protagonisti dei suoi film), con le sue ansie e le sue angosce, tormentato dal dubbio che la moglie lo tradisca e capace, anche lui!, di perdere qualche volta il controllo. Dopotutto, nei suoi film, Hitchcok è stato un anticipatore della ansie e paure dell’uomo contemporaneo, soprattutto quello degli anni 2000, capace di descrivere l’angoscia del quotidiano, la curiosità morbosa che si cela in ognuno di noi ed il panico improvviso nelle situazioni più banali. E non poteva, suggerisce il film, non essere angosciato lui stesso anche se immettere nella storia la figura del serial killer Ed Gein, ispiratore del personaggio di Norman Bates di Psyco, che addirittura compare come lato oscuro del grande regista che gli parla e quasi lo spinge ad essere come lui, è francamente eccessivo se non irritante. Uno spettatore che conosce un po’ più di cinema sa benissimo che in tutte le opere di Hitchcock c’è sempre una depravazione nascosta, una morbosità latente che anima i personaggi, un desiderio inconscio di dolore e sangue, quasi una propensione masochista. Invece, il film sembra dire che, con Psyco, Hithcock si fosse inoltrato su un terreno per lui vergine, in cui trovò libero sfogo per i suoi desideri più nascosti (in una scena, egli ammette: “ho delle pulsioni…forti!”); niente di più sbagliato, anche se Hitchcock indubbiamente amava sondare percorsi tortuosi che nessuno, allora, aveva ancora esplorato.

Aveva, ed è detto nel film, attrazione per le personalità malate, è stato uno dei primi registi a non rappresentare il Male in maniera stereotipata, ma cercando persino di dargli una ragionevole spiegazione. Ma fu sempre un uomo innamorato della verità e della logica, quindi il Male nelle sue opere viene tenuto a distanza e solo l’uomo più razionale alla fine ne esce vincitore. E, soprattutto, amava le morbosità nascoste in ognuno di noi, giocando con le attese dello spettatore e mostrando, beffardo, le immagini che bisogna vedere ma da cui il pubblico si aspetta di più (come nella scena della doccia di Psyco, in cui non si vede mai il coltello penetrare nella carne di Marion Crane, eppure chiunque abbia visto il film è convinto che sia visibile). La parentesi narrativa dedicata al rapporto tra Hitch e la moglie non è male, anche se si conclude nel modo più roseo possibile, come accaduto in realtà, ma si inchina ai canoni odierni del cinema americano nel descrivere la vita di coppia, in cui tutto alla fine finisce a tarallucci e vino. Anzi, nel prendere in giro le ossessioni del maestro verso la moglie, sembra che Hollywood voglia prendersi una rivincita contro un regista tra i più apprezzati dagli Studios, ma anche odiato per la sua troppa voglia di indipendenza lavorativa. Ed è su questo che si concentra l’altra metà del film, indubbiamente più interessante.

Il lavoro di Psyco spaventava i produttori che credevano che fosse una trama buona solo per un filmetto di serie B (bontà loro), ma spaventava di più la rappresentazione di uno schizofrenico come mai, fino ad allora, era stato fatto al cinema (tant’è che neppure Anthony Perkins aveva la minima idea di come interpretarlo), oltre ad una rappresentazione della violenza troppo esplicita per i tempi (non si era mai vista una protagonista che muore dopo trenta minuti di proiezione). Il film costò pochissimo, ma Hitchcock ottenne la più ampia libertà espressiva, soprattutto perché voleva girare un film in pochissimo tempo, contenibile nei costi e di sicura presa sul pubblico (questo fu il motivo, non una pericolosa attrazione verso il serial killer). Perlomeno, Hitchcock è la dimostrazione della genialità di un regista che trasformò una trama banale in un capolavoro della storia del cinema, che cambiò i canoni del thriller ed influenzò quelli futuri dell’horror. Gli altri aneddoti sono quelli già noti, dall’ossessione per le attrici (con la conferma di un sentimento amoroso verso Grace Kelly) alla maniacalità sul set fino al famoso cinismo e le battute salaci di Hitch. In definitiva un film ben fatto che però concede troppo (e superficialmente) alle tematiche personali e lascia con l’amaro in bocca chi voleva sapere di più sulla realizzazione delle avventure omicide di Norman Bates.

Il resto è salvato ampiamente dagli attori, con Hopkins che, dopo Hannibal Lecter, interpreta colui tramite il quale i serial killer sono approdati al cinema, Helen Mirren nella parte della moglie Alma ruba la scena con la sua personalità ora placida ora energica ed una menzione speciale va a Scarlet Johansson, che interpreta l’attrice Janet Leigh protagonista dei primi trenta minuti di Psyco, che riesce a rendere quella mistura di sensualità, fragilità e paura che molto spesso Hitchcock trovava affascinante in una donna.

L'articolo Come si de-costruisce un mito: Anthony Hopkins incarna il grande Hitchcock nel suo ultimo film sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

damiano damiani

IL CINEMA ITALIANO E’ STATO COLPITO da un lutto la scorsa settimana: il 7 marzo, per un’insufficienza respiratoria, si è spento a Roma il regista Damiano Damiani, uno dei maggiori esponenti del cosiddetto cinema di impegno civile del nostro Paese. Ed anche uno dei migliori artigiani cinematografici imprestati alla televisione, in cui non si limitò solo a girare una serie (La piovra), ma vi infuse il ritmo e lo stile tipici del cinema come nessuno aveva fatto fino a quel momento in Italia. Damiani, classe 1922, era inattivo da ormai dieci anni, il suo ultimo lavoro era stato il film Assassini dei giorni di festa (2002), passato completamente inosservato, ma la sua carriera era già terminata due anni prima con l’uscita dell’orrido Alex l’ariete, un poliziesco che avrebbe dovuto lanciare l’ex sciatore Alberto Tomba come nuovo divo del cinema italico e che invece, per colpa di produttori incompetenti, attori cani ed un montaggio approssimativo, oggi viene ricordato come una tappa trash nella vita di Damiani, il quale non ne aveva certo tutte le colpe. Ma quel film fu veramente una zona d’ombra sul suo lavoro, che portò addirittura qualche sconsiderato a sostenere che tutta la filmografia di Damiani fosse di scarsa rilevanza.

Niente di più sbagliato: il punto di forza di Damiani, almeno nei suoi film migliori, era una forte predilezione per il documentario misto ad un racconto lineare di sicura presa popolare. In parole povere, era un intellettuale che si esprimeva in maniera semplice, senza presunzioni di sorta. E per questo è sempre stato premiato più dal pubblico che dalla critica. Come regista non era sicuramente secondo a nessuno. Dopo un’esperienza decennale come documentarista, Damiani si fece notare nel 1960 con un thriller psicologico, Il rossetto, che lo impose subito all’attenzione: avvalendosi anche dell’interpretazione niente meno che di Pietro Germi, il regista racconta un caso di omicidio con gli occhi di una tredicenne innamorata del potenziale assassino, riuscendo ad evitare con abilità le trappole che un soggetto così pruriginoso poteva comportare, ma descrivendo perfettamente le personalità dei personaggi ed un ambiente borghesuccio e asfissiante. Fu una rivelazione che confermò il suo talento con L’isola di Arturo (1962) e La noia (1963), tratti dai romanzi rispettivamente di Elsa Morante e di Moravia, in cui, soprattutto nel secondo, c’era una concreta motivazione di esplorare le nuove psicologie di massa negli anni del boom economico che si affacciava al benessere.

Ma la sterzata della sua carriera arrivò addirittura con uno spaghetti western, quel Quièn sabe? (1966) che aprì la strada ad un sottogenere, lo “Zapata-western”, con una serie di pellicole dedicate alla rivoluzione messicana degli anni 10, tra cui ci mise mano lo stesso Sergio Leone con Giù la testa (1971). Da lì forse lo stesso Damiani si rese conto di poter filmare storie più leggere dal punto di vista “intellettuale”, ma con immagini da gran cinema popolare e di massa. E che poteva anche far riflettere lo spettatore. Nasceva il cinema di denuncia e di impegno civile, che il regista fece iniziare con il film per cui è maggiormente ricordato, Il giorno della civetta (1968), tratto dall’omonimo romanzo di Leonardo Sciascia, che, anche se rielabora liberamente alcune parti narrative e amplia il ruolo di alcuni personaggi, è una di quelle poche pellicole che rispettano lo spirito del racconto letterario che le ha originate.

Non solo, per la seconda volta (dopo Salvatore Giuliano di Francesco Rosi) il cinema cerca di parlare di mafia evitando gli stereotipi più facili e le trovate narrative più semplicistiche; e come regia, sfrutta al meglio gli attori, da Franco Nero ufficiale integerrimo a Claudia Cardinale mai più così bella e misteriosa fino a Lee J. Cobb, perfetto nel ruolo del padrino onnipotente. Un altro merito è quello di aver promosso attore un bravo caratterista come Tano Cimarosa nel ruolo del gregario Zicchinetta. La moglie più bella (1970) vede invece il mondo della mafia dall’ “interno” e le forze dell’ordine lontane, addirittura fastidiose; un meccanismo alla rovescia che funziona meglio del precedente, con una trama ispirata ad un fatto reale che impressiona più di quella simbolica del Giorno della civetta. La storia della quindicenne Francesca che, nella Sicilia interna, si rifiuta di sposare il giovane picciotto che l’ha rapita e violentata, permette di denunciare due aspetti dell’epoca: il matrimonio riparatore e la situazione dei terremotati del Belice, con riprese tra i baraccati e le “fresche” rovine del paese di Gibellina, raso al suolo dal terremoto di due anni prima. E non dimentichiamo che fece scoprire una nuova promessa del cinema italiano, Ornella Muti, che proprio con questo film iniziò la sua brillante carriera. Come prese il volo la carriera di Damiani: negli anni settanta produsse molti film di denuncia come Confessione di un commissario di polizia al procuratore della Repubblica (1971), L’istruttoria è chiusa: dimentichi (1971), Girolimoni, il mostro di Roma (1972), Perché si uccide un magistrato (1975), Io ho paura (1977), Un uomo in ginocchio (1979), L’avvertimento (1980). Addirittura fu chiamato in America a dirigere l’horror Amityville Possession (1982), secondo capitolo della celebre saga delle case infestate.

Negli anni ottanta, Damiani fa la storia della Rai dirigendo le puntate della prima stagione della serie La piovra (1984) dove inietta il cinema nelle asettiche inquadrature televisive e genera un successo che trainerà la serie fino al 2003, anche se il regista non andrà oltre le prime sei puntate. E del 1985 è il film Pizza Connection, forse l’ultimo film interessante di Damiani che lanciò definitivamente come divo l’attore Michele Placido, unitamente alla Piovra, e parlò per la prima volta dei possibili intrecci tra mafia e politica come già la stessa serie Tv, creando una marea di polemiche. Negli anni novanta, si dedicò completamente alla televisione e agli sceneggiati. Forse si è scritto anche troppo, siamo ancora convinti che il suo fosse un cinema irrilevante? A voi la sentenza.

L'articolo Da “Il giorno della civetta” a “La piovra”. Addio a Damiano Damiani, padre del cinema di impegno civile sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Il film è un ottimo omaggio per ricordare uno dei nostri attori più prolifici di cui, in questo articolo, ci interessa più l’arte che non i ricordi personali. Che attore era Sordi? Ebbe solo il merito di riprodurre sullo schermo i pregi e i difetti del popolo italico oppure rientra nell’Olimpo dei grandi attori di teatro e cinema? E’ un dilemma che, soprattutto dopo la sua morte, attanaglia la maggior parte dei critici e lo stesso pubblico. Molto spesso, la gente tende a ricordare i film cult della carriera di Albertone o comunque quelli più facili e di grande successo presso gli spettatori: Un americano a Roma, Il vedovo, Un giorno in pretura, I complessi, Il medico della mutua, Dove vai in vacanza?, Il marchese del Grillo, In viaggio con papà, Il tassinaro sono quei titoli più citati nelle conversazioni tra amici e riproposti spesso su Youtube dagli appassionati; film che risaltano la straordinaria abilità di Sordi nel trovarsi a proprio agio in ogni ruolo o, meglio, sono i ruoli che si modellano su di lui. Lungi dall’affermare che i film appena nominati siano più conosciuti che belli, anche se I complessi e Il tassinaro sono a livello di barzelletta, bisogna ammettere che restano opere che mettono in luce la comicità stratosferica di Sordi, ma che lasciano la sensazione di non aver compreso pienamente i personaggi a causa di una certa superficialità. Ne resta fuori Il marchese del Grillo che, anche se non è molto amato da chi scrive, si regge completamente sulle spalle di Alberto e sulla sapiente regìa di Monicelli, i quali riescono ad esprimere tutte le sfumature di un personaggio molto più complesso di quello che sembri (“Io so’ io e voi nun siete un cazzo!”), consapevole di poter sfruttare i propri privilegi come meglio crede, ma anche condannato a restare relegato ad un mondo, l’aristocrazia papalina, in completo disfacimento.

Proprio in questo film, campione d’incassi nel 1981, si coglie la sostanza dell’attore Sordi, comico, tragico e patetico come in un gioco di scatole cinesi, propenso alle risate, ma saldamente legato alla realtà che mostra e critica, distanziandosene e rendendo epico l’italiano medio che interpreta. Così si può affermare che Sordi fu un attore a tutto tondo, completo, né macchietta né caratterista, e grazie a lui l’italiano si è ritrovato sbeffeggiato, ma tenuto lontano dalla semplice caricatura. Questo è il Sordi che ci permette di parlare di tutte quelle opere in cui l’attore non solo è stato sfruttato meglio, ma è riuscito addirittura a dimostrare che la sua comicità altro non era che la tragica comicità del quotidiano, dell’uomo qualunque che quasi non si accorge dei piccoli fatti ridicoli di ogni giorno: per questo, Sordi è geniale in ruoli addirittura inquietanti. Alcuni dei titoli, purtroppo, sono misconosciuti al grande pubblico: I vitelloni, La grande guerra, Tutti a casa, Una vita difficile, Il giudizio universale, Il mafioso, Detenuto in attesa di giudizio, Bello, onesto, emigrato in Australia sposerebbe compaesana illibata, Lo scopone scientifico, Un borghese piccolo piccolo, Romanzo di un giovane povero.

Ovviamente, esistono anche altri film in cui Sordi si misura con ruoli sgradevoli (il laido monsignore nell’episodio di Comencini in Quelle strane occasioni), ma quelli citati sopra formano una possibile antologia di Albertone nella quale egli dà il meglio di sé: il burlone Alberto dei Vitelloni che ne combina di tutti i colori solo per non pensare ad una realtà degradante è sicuramente la maschera più commovente sostenuta dall’attore, patetico anche nello scherzo; i ruoli migliori resteranno però quelli di Silvio Magnozzi in Una vita difficile e Antonio Badalamenti in Il mafioso, il primo nei panni di un ex partigiano che ha combattuto per un’Italia migliore e adesso fa i conti con i non – valori del boom economico degli anni sessanta, il secondo è uno dei personaggi più angoscianti che Alberto abbia mai interpretato, un siciliano emigrato in vacanza nel paese con la famiglia che si trova costretto a commettere un omicidio, credibilissimo nel suo sviluppo da stereotipo meridionale (baffi, coppola e pelle scura) a uomo onesto che cerca, dopo l’omicidio, di riprendere una vita normale pur con un macigno sulla coscienza; che dire poi della patetica fiducia nella giustizia di Giuseppe Di Noi ne Detenuto in attesa di giudizio che, a furia di buone maniere nell’inferno carcerario, ne uscirà con le ossa rotte e i nervi scossi o della sciocca bontà dell’Amedeo di Bello, onesto… che in Australia ha fatto tutto meno che diventare benestante a differenza degli altri emigrati italiani più furbi.

Ma l’apice della sua carriera resterà Un borghese piccolo piccolo, ancora diretto da Monicelli: l’impiegato Vivaldi che, vistosi uccidere il figlio in una rapina, mette in atto un’atroce vendetta, comico negli atteggiamenti, ma disperato nella personalità, è da standing ovation. Un personaggio sofferto, che neppure Sordi voleva mostrare così sgradevole, che nella prima ora di film lo spettatore vorrebbe prendere a schiaffi e che, nell’ultima parte, ha tutta la nostra comprensione e identificazione facendoci venire il dubbio che, forse, siamo tutti un po’ piccolo borghesi grigi e chiusi nelle nostre blande certezze. Con questo film, l’Italiano di Sordi diventa il nostro “lato oscuro” e ci ricorda nel contempo che sono passati dieci anni, ma Albertone ci manca veramente tanto.

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La storia non può neppure essere considerata “biografica”, in quanto narra gli ultimi mesi di vita di Abramo Lincoln, da gennaio ad aprile 1865, deleteri per l’Uomo, ma decisivi per il Presidente, in cui si ebbero la fine della guerra di Secessione americana e la modifica, dal parte del Congresso, del tredicesimo e del quattordicesimo emendamento della Costituzione statunitense, il primo abolendo la schiavitù, il secondo garantendo i diritti civili e lo status di cittadini agli ex schiavi neri. Forse un po’ troppo verboso ed ambientato quasi tutto in interni, il film è riscattato pienamente dall’abilità del regista che rende emozionanti persino i tempi morti e coinvolge lo spettatore con bellissimi movimenti di macchina ed episodi anche disturbanti, soprattutto per gli spettatori americani che conoscono solamente la leggenda di Lincoln che spezza le catene degli schiavi ed instaura un duraturo processo che ha portato gli Stati Uniti ad essere la potenza predominante nel mondo.

Lontano dai facili stereotipi, Lincoln rivive grazie alla magistrale perfomance di Daniel Day Lewis, il quale non solo interpreta, ma dà anche una rilettura di quello che è stato il 16° presidente americano: altissimo, magro a causa del forte stress che lo accompagnò per tutti gli anni della guerra, le orecchie a sventola, la famosa barba che gli incorniciava il viso, una calma quasi sovrumana e una lingua pronta a controbattere. Il ritratto di Lincoln che ne esce fuori si allontana subito dall’agiografia e dal mito, mostrando un uomo in apparenza sfuggente e quasi cinico, ma pervaso da una sincera predilezione per la giustizia sociale e per la fine della guerra, che riesce a conquistare chiunque con il suo linguaggio ed i suoi aneddoti apparentemente fuori posto, un fuscello che diventa improvvisamente un tronco maestoso quando deve fare il presidente.

Ma anche un abilissimo politico, non esente da macchinazioni e voti comprati, che non arretra di fronte a nulla pur di raggiungere il suo scopo, sempre in quel limbo che si trova tra il compromesso e l’ipocrisia e che molti revisionisti storici oggi gli rimproverano. Come già in Salvate il soldato Ryan, Spielberg usa Lincoln per perorare una sua linea di pensiero non completamente condivisibile: il compromesso, come la guerra, a volte è necessario per perorare e portare avanti gli ideali e le giuste cause, anche se si possono evitare e, quando la guerra si trasforma in carneficina (velocemente mostrata all’inizio del film e nell’atroce scena del seppellimento di centinaia di gambe e braccia amputate), è il momento di tirare fuori la politica, ma dimostrare al contempo chi è civile e democratico.

In fondo, suggerisce Spielberg, l’abolizione della schiavitù fu solo un mezzo per indebolire l’economia degli stati del Sud e mostrare al mondo che gli Stati Uniti sarebbero stati la prima Nazione a liberare apertamente gli schiavi, nonché un primo passo per ricattare i delegati della Confederazione sudista e costringerli alla resa ed alla rinuncia, in parte, di quell’autonomia che la stessa Costituzione prevedeva e che Lincoln ridusse per dare maggior potere al governo centrale di Washington e garantire una duratura unità nazionale. Il risultato fu l’America odierna e la tuttora marginalità politica ed economica di alcuni ex Stati confederati; ma una conquista più grande, grazie al compromesso, fu il massimo rispetto per i diritti civili e la democrazia, anche a costo di andare contro i propri princìpi (come rappresentato nel personaggio di Stevens).

Il Lincoln privato è invece un tipico personaggio spielberghiano, un padre ed un marito forse un po’ freddo e distaccato che saluta il figlio maggiore che non vede da tempo con una semplice stretta di mano e non sembra interessarsi neppure ai disturbi nervosi della moglie Mary (Sally Field, bentornata) o all’affetto spropositato che il figlio minore Tad gli dimostra; in realtà, anche la famiglia fu al centro dei pensieri di Abramo, che cercò invano di impedire che il primogenito Robert partisse per la guerra e dovette affrontare due lutti gravi con la morte di altrettanti figli in giovanissima età che minarono la salute mentale della moglie e che egli visse sempre come un “fardello” da reprimere inutilmente con il lavoro dell’esecutivo. In definitiva, il film poteva anche durare meno e non si perdona a Spielberg l’inevitabile esaltazione del Presidente, decidendo di non mostrare la sua morte avvenuta per omicidio, ma solo il suo cadavere illuminato da una luce bianchissima ed un sunto dei suoi discorsi più memorabili, ma ovviamente una celebrazione spinta fino alle lacrime è fastidiosa per chi non è statunitense, per il quale comunque Lincoln resta una delle icone che hanno fatto grande il Sogno Americano. Anche nei suoi aspetti più controversi.

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Tarantino torna un’altra volta dalle parti di Kill Bill 1 e 2 e alla sua innata glorificazione di un genere; come quello era un monumento al Kung Fu con tutti gli annessi e connessi, questo è una codificazione di tutto il western all’italiana con i suoi tempi morti, la violenza come unica strada in un mondo selvaggio, i suoi antieroi che diventano buoni solo casualmente. C’è tutto questo in Django Unchained, compresa la colonna sonora originale scritta da un Morricone che si reinterpreta donandoci anche la bellissima canzone Ancora qui, eseguita da Elisa in italiano anche nella versione inglese, mentre nel finale i nostalgici avranno un tuffo al cuore ascoltando le note del cult Lo chiamavano Trinità, composte da Franco Micalizzi per la premiata ditta Bud Spencer &Terence Hill. Come capita spesso in Tarantino, l’unico metro di paragone spetta solo al pubblico, il quale può giudicare unicamente con il divertimento e le proprie aspettative, in quanto è proprio lui a desiderare di vedere più immagini possibili per trovare sfogo alle proprie fantasie più sfrenate o alla semplice curiosità di sapere come andrà a finire; significativa, in questo senso, la scena della lotta tra due schiavi neri per la gioia (e il denaro) dei loro padroni, i quali (come lo spettatore) li incitano ad andare fino in fondo sapendo benissimo che uno dei due ci lascerà la pelle. Ed anche la violenza quasi cartoonesca tipica del regista rientra in questi parametri di “godibilità”.

Per il resto, Tarantino gioca anche la carta del discorso sociale raccontando gli orrori dello schiavismo nell’America pre – guerra di secessione, ma sarebbe chiedere troppo ad un film che mescola la realtà con l’immaginazione creando una dimensione sospesa, ma, come direbbe qualcuno, “è il cinema, bellezza!”. Meglio concentrarsi quindi sugli attori o, più specificamente, sulla virtuosità degli attori. Che qui svolgono benissimo il loro lavoro: Jamie Foxx, nel ruolo del nero Django in cerca della moglie venduta ai negrieri, è ottimo, ma gli ruba la scena Cristoph Walts, giustamente candidato all’Oscar, nella parte del dentista tedesco Schultz, che riscatterà lo schiavo e lo guiderà nella sua ricerca, un personaggio cult di quelli che diventano icone con poche battute. Ma il ruolo più indovinato è quello dell’animalesco negriero Calvin J. Candie, affidato ad un Leonardo Di Caprio qui al suo primo ruolo veramente bastardo, la cui isterica crudeltà rimanda a quella dei nazisti di Bastardi senza gloria (grandioso il suo delirante, e lombrosiano, monologo sull’inferiorità della razza nera). Un discorso a parte lo merita il sempre bravo Samuel L. Jackson, nel ruolo dell’infido consigliere nero di Candie, Stephen, uno zio Tom al contrario e parolacciaro. Un personaggio che sembra essere stato creato apposta da Tarantino per rispondere a chi lo aveva accusato di razzismo per il troppo utilizzo della parola “negro” nei suoi film; infatti Stephen è sì libero, ma per diventarlo si è dovuto adeguare alla crudeltà dei suoi padroni fino a disprezzare lui stesso gli schiavi dimenticando di esserlo stato anch’egli, mentre il vero nero libero sarebbe Django che alla fine, recuperata la moglie Broomhilda, se ne va per la sua strada (e la sua vera cultura) senza accettare compromessi. Si consiglia di accorrere in massa al cinema!

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Le polemiche che sono seguite alla notizia delle imminenti riprese hanno spaccato in due il mondo del giornalismo e, ovviamente, l’opinione pubblica. A chi fa presente che Scampia, in tv e sui giornali, è identificata come un luogo infernale, molte personalità, tra cui lo stesso Sollima, hanno risposto che la serie sarà ben lungi dal mitizzare (o demonizzare) l’intero quartiere, semmai avrà un impianto semi documentaristico usando attori sconosciuti, proprio per distanziare gli abitanti onesti di Scampia da quelli che appartengono alla malavita. Infine, Sollima ha affermato che “davanti ad un fenomeno sociale, grave o meno, molto spesso si tende a criticare chi vuole rappresentarlo o raccontarlo, invece di combattere il fenomeno stesso”. Ma il cinema italiano come ha raccontato la mafia, e la criminalità in genere, nel corso degli anni? Non staremo certo ad enumerare i vari esempi, che toccano tra l’altro settanta anni di storia del cinema, ma cercheremo di stabilire a grandi linee gli approcci con cui molti cineasti hanno affrontato il tema mafia.

Analizzando le opere, ci si accorge che nel nostro Paese la cinematografia, verso la criminalità organizzata, ha sempre avuto un atteggiamento oscillante tra fascinazione, denuncia sociale o demonizzazione. Già nel primo dopoguerra abbiamo forse il film in cui si parla di mafia per la prima volta: In nome della legge (1949) di Pietro Germi, con Massimo Girotti, Charles Vanel e Saro Urzì, che, anche se riprende a grandi linee lo stile neorealista allora imperante, adotta un’impostazione narrativa quasi western e fordiana, ma fasulla in cui la mafia e il suo capo, ben interpretato da Charles Vanel, sono mostrati come un universo statale parallelo con i suoi usi e, soprattutto, le sue leggi, che vengono accettate acriticamente come giuste perché dettate dal senso dell’onore. Una forma di mitizzazione pericolosa che lasciava ad intendere che Cosa Nostra fosse una specie di consorteria simile ai cavalieri della Tavola Rotonda, una rappresentazione inoltre non esente da luoghi comuni e stereotipi.

Sarà solo negli anni sessanta che il cinema adotterà finalmente la denuncia come punto di vista per raccontare la criminalità, con ottimi esempi come Salvatore Giuliano (1962) di Francesco Rosi, primo film ad occuparsi senza fronzoli della figura del celebre bandito siciliano, e i film d’inchiesta di Damiano Damiani come Il giorno della civetta (1968) tratto da Sciascia, La moglie più bella (1970), che lanciò una giovanissima Ornella Muti, L’istruttoria è chiusa: dimentichi (1971). E’ bene, però, sottolineare che Damiani, nei suoi film, pende sempre tra realismo, luoghi comuni ed anche una certa giustificazione dei meccanismi mafiosi, ma ciò è dettato dai profondi cambiamenti sociali che avevano investito l’Italia tra gli anni sessanta e settanta, cambiamenti che avevano influito anche sulla mafia, o quello che si sapeva sulla mafia, generando la convinzione che esistesse una vecchia mafia, ancorata alle regole d’onore, e la nuova votata all’arrembaggio e ai nuovi traffici illeciti.

Una linea di pensiero che continuerà per tutti gli anni settanta, complice anche il successo della saga del Padrino (1972) di Francis Ford Coppola. Grande film, ma completamente frainteso, perché nelle intenzioni di Coppola la storia di Don Vito Corleone e del figlio Michael è solo uno schermo per raccontare i profondi mutamenti sociali e familiari dell’America allora impegnata nella guerra in Vietnam; un discorso, quindi, molto più ampio della semplice schematizzazione e codificazione delle tradizioni della mafia italiana. L’equivoco nacque dall’abituale propensione di Coppola verso il mitico e l’epica. E in Italia, per tutto il decennio, la criminalità organizzata sarà protagonista di pellicole tese a rappresentare questa distinzione tra vecchio e nuovo. La lista è lunga: Il sasso in bocca (1970) di Giuseppe Ferrara, Il caso Pisciotta (1972) di Eriprando Visconti, Camorra (1972) di Pasquale Squitieri, Lucky Luciano (1973) di Francesco Rosi, Il boss (1973) di Fernando di Leo, L’onorata famiglia – Uccidere è cosa Nostra (1973) di Tonino Ricci, I guappi (1974) di Pasquale Squitieri, Corleone (1978) di Pasquale Squitieri. Come si può vedere, molti film sono stati diretti dai professionisti del cosiddetto cinema d’inchiesta che, bene o male, hanno cercato di accontentare sia il grosso pubblico che gli spettatori desiderosi di verità.

Un discorso a parte lo merita il cosiddetto cinema popolare nella figura di Mario Merola, interprete della canzone napoletana, che si dedicò anche al cinema con alterna fortuna in una serie di film usciti tra il 1977 e il 1982, tutti diretti da Alfonso Brescia per una produzione destinata ai piccoli circuiti regionali: L’ultimo guappo (1978), Napoli serenata calibro 9 (1978), Il mammasantissima (1979), I contrabbandieri di Santa Lucia (1979). Sono solo alcuni dei titoli, ma si tratta di film che ultimamente sono stati riscoperti dai fan dello stracult, ma che, osservati attentamente, erano opere che inneggiavano alla vecchia camorra del contrabbando contro i nuovi trafficanti di droga, una pericolosissima mitizzazione dei guappi di un tempo ambientata in una cornice napoletana per eccellenza: la sceneggiata.

Per tornare ai nostri tempi, dopo Gomorra si è ricominciato a parlare di quanto le immagini possano contribuire a creare un immaginario permanente oltre il quale è difficile andare. Ma, visti gli esempi trattati, non si può certo mettere in malafede le intenzioni degli autori oppure dello spettatore meglio disposto; al di là dei film in cui si vuole scopertamente parteggiare o denunciare un fenomeno, spetta sempre allo spettatore saper distinguere quegli elementi che possono mettere in buona o cattiva luce il contesto rappresentato o i personaggi che lo abitano, a meno che l’obiettivo degli autori non sia scopertamente quello di indirizzare gli occhi del pubblico verso questo o quel dettaglio; ma se l’immagine contribuisce a creare un mito o un luogo comune è dovuto soprattutto al grado di conoscenza dello spettatore o del contesto sociale in cui vive. Una prova è la pericolosa esaltazione del boss nella serie Mediaset L’onore e il rispetto, affidato al viso e al corpo di Gabriel Garko, una figura obbligatoriamente fascinosa che può comportare fraintendimenti. O lo stesso Gomorra, il quale ha saputo dipingere il marcio che la camorra ha accumulato in questi anni, che agli occhi di alcuni ragazzini esaltati di tutta Italia, appare come una lode dei furbi e dei temerari, come Romanzo Criminale o Vallanzasca, gli angeli del male. Ma anche qui la lista sarebbe lunga.

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Tutto tutto niente niente Regia: Giulio Manfredonia Sceneggiatura: Antonio Albanese, Pietro Guerrera Interpreti: Antonio Albanese, Fabrizio Bentivoglio, Luigi Maria Burruano, Paolo Villaggio. Genere: Comico/Grottesco Prima uscita in Italia: 13 dicembre 2012. Produzione: Fandango, Rai Cinema.

Uno e trino. Nel sequel del campione d’incassi Qualunquemente Antonio Albanese, oltre a riprendere l’ormai proverbiale Cetto La Qualunque, regala al pubblico altri due personaggi non meno orridi del signor Cetto: Frengo Stoppato, il tossico foggiano nato nell’ambito della trasmissione Mai dire Gol, e il secessionista Rodolfo Favaretto, detto Olfo, fratello minore in salsa veneta dell’Ivo Perego del film La fame e la sete (1999). Un trio per raccontare la trinità di potere italiana: (mala)politica, Chiesa e deriva estremista.

Quello che in Qualunquemente era solo un accenno per raccontare una realtà sociale specchio di una Nazione, in Tutto tutto niente niente diventa un racconto corale che abbandona la caricatura del primo film per trasfigurare grottescamente un intero sistema di potere. E il risultato è ottimo: erano anni che in un film italiano non si vedevano parlamentari e ministri ritratti con tanta cattiveria, uomini ingessati in delle allucinanti giacche colorate, con le facce stravolte in sguardi torvi o sorrisetti inquietanti, un Vaticano opulento teatro di trame oscure, un Montecitorio ridotto ad un misero circo in cui si riuniscono dei pagliacci con la coscienza sporca.

Tant’è che ad uscirne quasi puliti e con una certa simpatia sono proprio i nostri tre “eroi”: Cetto, Frengo e Olfo non sono più demenziali maschere ambasciatrici di certi strali della società, sono delle marionette in mano al potere, ma più vivi e meno ipocriti del marciume umano (e politico) che li circonda; non è un caso, infatti, che ne verranno inesorabilmente allontanati. Anzi, nel corso del film ci si accorge che sono gli unici personaggi animati da proposte concrete: Cetto questa volta non entra nel vivo della trama a causa di un’esilarante crisi politica e sessuale che lo attanaglia all’improvviso; Frengo, spinto dalla madre e dalle invadenti zie, sogna di riformare la Chiesa, si presenta come “delfino del Papa”, spinge un umile fraticello all’uso della cannabis, esalta la Sacra Famiglia come esempio di nucleo familiare non convenzionale (vedere per credere); Olfo, oltre a coltivare il desiderio di diventare cittadino austriaco, vuole costruire un’immensa autostrada per collegare l’intero Nord Est.

Tutti progetti, i loro, degni di chi li ha concepiti, proteso verso la realizzazione di essi, quando il suo compito, come spiegato dal mellifluo Sottosegretario (Bentivoglio dovrebbe farsi vedere più spesso in questi ruoli), è solo quello di godere dell’immunità parlamentare, circondarsi di segretarie e portaborse e “votare ogni tanto”. I tre, insomma, non sono tanto delle mine vaganti che sfuggono al controllo di chi li ha fatti uscire dal gabbio per usarli, ma fanno venire allo scoperto cosa è diventata la politica odierna, vittima della corruzione e del clientelismo, in cui il grottesco è solo un lieve ritocco a ciò che quotidianamente accade sotto gli occhi di tutti.
E il pubblico se n’è accorto premiando il film con un’affluenza massiccia in tutta la Penisola; solo nello scorso fine settimana ha incassato ben 2.366.192 euro sbaragliando al botteghino, mentre, in Francia, ha ottenuto l’elogio del quotidiano Le Monde come ritratto della vera, attuale, Italia.

L'articolo L’Italia attuale secondo Albanese. “Tutto tutto niente niente” sbanca subito al box office. Cetto & co ancora rappresentanti del mondo (mal)politico sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

È già raro trovare in un film d’azione i caratteri tipici delle pellicole minimaliste. Drive va molto oltre, in questo senso, esplorando le infinite contaminazioni possibili tra il road movie, la crime story e il genere romance, il runaway e il pulp. L’operazione riesce, grazie a un uso innovativo dell’immagine in interni, delle soggettive e delle alternanze luce –buio, componendo forze espressive radicali e diverse in una precisa forma espositiva. Il taglio narrativo rarefatto, con dialoghi ridotti al minimo e ampie zone di montage musicale, contrasta con la precisione chirurgica e sovversiva dell’inquadratura e il ritmo, a tratti bruciante. L’estetica degli sfondo, dei personaggi, degli ambienti, riconduce alla graphic novel, al videoclip, e a un videogame cui il film rende omaggio di continuo, quel Grand Theft Auto che sembra essere una delle reali ispirazioni del soggetto. Di qui la modernità di Drive, che cita, e con furbizia, mezzo cinema di genere, con una poetica di regia decisamente europeista. Il film che ha per protagonista il giovane, enigmatico Ryan Gösling, stunt man dalla doppia vita, ha qualche caduta di ritmo, ma il grande merito di attualizzare la grande tradizione della vera tragedia shakespeariana, come solo un film indipendente poteva fare. Los Angeles, che il protagonista gira nelle sue periferie, nei sottopassi, tra i parcheggi di notte e i ponti di ferro sospesi, incombe, unica testimone di crimini e vendette. Eppure, la città lucente e immensa, raccoglie la sua piccola umanità in due interni. Due porte, due vite, un solo filo. Così, senza averlo scelto, il pilota di auto con lo scorpione dorato sulla schiena, si ritroverà in un meccanismo di sangue e odio, vivendo e facendo vivere il suo personale inferno alle persone che gli hanno attraversato la strada e causato dolore. Un’opera prima sofisticata, quella di Nicholas Winding Refn, tratta dal romanzo omonimo di James Sallis, che ha convinto la giuria, strappando una meritata Palma d’Oro a Cannes, nel 2011.

L'articolo Drive. Tra road movie e pulp, come in un enorme videogame. Inferno e dolore, Sheakespeare e Grand Theft Auto sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Di Vittorio De Seta cineasta occorrerebbe ricordarne tutta l’opera: I cortometraggi sulla Sicilia negli anni Cinquanta. Il magistrale Banditi ad Orgosolo. Il film per la tv Diario di un maestro, con il compianto Bruno Cirino. Noi pero abbiamo piacere di rendere omaggio a Vittorio De Seta con In Calabria, un racconto di immagini straordinarie per semplicità e chiarezza espressiva, e di concetti. Un lungometraggio da vedere e rivedere, ma anche da studiare e far conoscere, che dice della nostra terra piu di quanto noi stessi non sappiamo.

L'articolo Omaggio a Vittorio De Seta. Per i nostri lettori la versione integrale di “In Calabria”, un capolavoro del grande regista scomparso sembra essere il primo su Edicola di Pinuccio.

Proprio per questo il grande De Seta, il “cineasta-agricoltore”, di origini siciliane ma d’adozione calabrese, per un giorno aveva lasciato il suo “buen retiro” di Sellia Marina, per commentare, quale ospite d’onore di Legambiente la proiezione di due suoi documentari che raccontano per immagini il rapporto della Calabria con l’ambiente. «Un antropologo che si esprime con la voce di un poeta» lo ha definito con grande efficacia un altro grande del cinema mondiale, Martin Scorsese, nel giudizio unanime di chi l’ha conosciuto, un uomo sensibile, colto, coerente e lontano dai compromessi. Anche per questo, nel momento della tristezza Legambiente ha l’orgoglio di aver assegnato al maestro De Seta l’ultimo omaggio della sua significativa carriera. Un piccolo premio quello di CAraLABRIA dal grande significato simbolico, reso particolare dalla presenza di tanta gente, soprattutto giovani e ragazzi entusiasti.

Nuccio Barillà della direzione nazionale di Legambiente sottolinea come “a motivazione di quel premio c’è tutto il senso e l’attualità del richiamo a un agire individuale e collettivo improntato ai valori che il regista ha incarnato. Egli, attraverso i suoi documentari, ha saputo cogliere, con il suo sguardo profondo, intenso, rispettoso, quasi religioso, l’anima dei calabresi dando voce a protagonisti troppo spesso senza voce: pescatori, contadini, operai, donne del popolo. In un incrocio tra antico e moderno, tra natura e uomo, modernità e senso dei luoghi. Ha saputo in sostanza raccontare l’ambiente vero della Calabria e l’umanità profonda dei calabresi, rappresentando il tipo di ambientalismo sociale che Legambiente vuole promuovere. La sua è stata una critica dolce, ma allo stesso tempo spietata, del consumismo corrosivo e ci ha aiutato a riscoprire il senso più profondo di cosa siamo, cosa abbiamo di ricchezza non percepita e cosa dobbiamo volere in quanto calabresi, lasciando da parte quello che ormai si è rivelato come un modello devastante ma anche la vuota retorica propagandistica senza costrutto e senza progetto”.

Le ultime parole del maestro Vittorio De Seta restano scolpite nella mente degli ambientalisti come una sorta di epitaffio che è una bussola per il futuro: “Tutto il Sud è stato rimosso, dopo l’Unità sono state adottate tecniche di guerra civile: trentamila morti in dieci anni di lotta al brigantaggio. Questo lutto non è stato elaborato mai. Siamo stati colonizzati, considerati inferiori. Questa matrice non è mai stata estirpata. Ma sono ottimista, perché vedo che anche se i calabresi espatriano, anche se c’è un’altra Calabria all’estero fatta di due milioni di persone, poi ritornano, mantengono un legame forte e soprattutto conservano una cultura che è fatta di valori, di dignità di solidarietà, cose che al Nord stanno scomparendo. Guardando al futuro io credo che sia questo il nostro capitale. Dobbiamo solo riacquistare il senso della nostra identità, capire chi siamo, rivalutarci rispetto alle denigrazioni che sono state sempre fatte in questi 150 ani di unità. Occorre però che i calabresi vengano aiutati a liberarsi da questo complesso d’inferiorità terribile che si portano addosso. Sono certo, alla fine saremo liberati”.

“Nel salutare e rinnovare l’omaggio di Legambiente tutta al Maestro De Seta – conclude Nuccio Barillà – ricordiamo l’impegno che avevamo preso, insieme a lui, di promuovere una giornata sulla cultura dell’ambiente e del territorio dal titolo “La bellezza salverà la Calabria?”. L’organizzeremo ugualmente, nel suo ricordo, coinvolgendo tutti coloro che l’hanno conosciuto e apprezzato”.

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